Nel 2017 il 57 ° Esposizione Internazionale d'Arte sarà curata dal celebre visionario Christine Macel. La mostra si intitola VIVA ARTE VIVA e si aprirà il 13 maggio e continuerà fino al 26 novembre 2017. La Biennale di Venezia comprende mostre curate ai Giardini e all'Arsenale, al fianco di oltre 80 mostre nazionali nei padiglioni all'interno di questi luoghi e in tutta Venezia.
AUSTRALIA
My Horizon - Giardini
Nel 2017, l'Australia sarà rappresentata da Tracey Moffatt alla Biennale di Venezia. La mostra di Tracey My Horizon, comprenderà tutti i nuovi lavori fotografici di grandi dimensioni e per il cinema. Tracey è una delle artiste di maggior successo in Australia e crea narrazioni altamente stilizzate e montaggi di esplorazione sui temi la complessità delle relazioni interpersonali, la curiousness della cultura popolare, e i suoi ricordi d'infanzia e fantasie.
Tracey lavorerà al fianco della curatrice Natalie King per la pubblicazione di un volume dedicato alla mostra edito da Thames & Hudson. É la prima volta che un artista che rappresenta l'Australia alla Biennale di Venezia avrà una pubblicazione di accompagnamento distribuita a livello internazionale.
La rappresentanza dell'Australia alla Biennale di Venezia è iniziata nel 1954, e da allora artisti visivi contemporanei hanno esposto sotto la bandiera Australia.
AUSTRIA
Brigitte Kowanz e Erwin Wurm - Giardini
Il concetto include i due artisti a livello internazionale di maggior successo in Austria: Brigitte Kowanz e Erwin Wurm le cui opere sono in importanti musei e collezioni private, con numerose mostre personali in importanti centri d'arte da Parigi a New York.
Erwin Wurm: One Minute Sculture: Organizzazione of Love 2007
Entrambi hanno sviluppato contributi artistici significativi per le tendenze internazionali negli ultimi decenni. Brigitte Kowanz estende il concetto di immagine immateriale sottolineando il valore della luce. Crea oggetti leggeri, installazioni luminose, spazi di luce, l'architettura della luce. Completamente all'opposto Erwin Wurm ha ampliato il concetto di Scultura materiale. Colloca le sue opere al confine tra performance e scultura. Wurm rende la performance scultura, le installazioni sculture, e le sculture spazio architettonico.
Ciò che unisce i due artisti cosi diversi, è il rapporto dell'immagine o della scultura con l'architettura. Kowanz ridefinisce lo spazio pubblico attraverso le sue installazioni luminose di mondi immateriali. Worm trasforma la scultura come componente dell'architettura.
BELGIO
Dirk Braeckman - Giardini
Dirk Braeckman rappresenterà il padiglione belga, porterà una mostra personale di nuove opere in esclusiva. Curatore della mostra è Eva Wittocx; L'organizzazione è di M - Museum Leuven. Nelle sue fotografie enigmatiche Dirk Braeckman (1958), crea un mondo isolato chiuso in cui tattilità e la consistenza, la distanza e l'intimità sono combinati suggeriscono intere storie. Braeckman riflette sull'immagine fotografica e rimuove le illusioni del mezzo.
Dirk Braeckman
Al centro del suo lavoro c'è la ricerca delle trame di standard creativi, materiali diversi, con i quali l'artista sperimenta. Egli esamina gli effetti del sovra e sottoesposizione attraverso una molteplice varietà di tecniche di stampa. Le sue immagini mostrano il momento della registrazione dietro e oltre la loro rappresentazione, è il momento creativo che viene fermato piu che il soggetto.
BOLIVIA Essence -Scuola dei Laneri Santa Croce
Markopoulos ha lavorato nel campo della installazione d'arte per diversi anni. le sue installazioni possono essere costituite da piccoli oggetti e sculture, intorno alle quali crea costruzioni che possono riempire l'intero spazio espositivo.
Markopoulos
L'enorme “Sling”, creato per la 1 ° Biennale Internazionale d'Austria del 2002, è stato assegnato il secondo premio. L'incandescente cavallo di lattice fissato alla facciata dell'ambasciata italiana nel 1998 ha riscosso grande successo come le sue opere del ciclo “The Binding”.
Sol Mateo aggiorna il concetto di colonizzazione attraverso la messa in discussione della tecnologia e del capitale come una rappresentazione grafica della colonizzazione oggi. Una delle sfide della società contemporanea è la comprensione della propria identità, che non è più un concetto statico, piuttosto uno spazio in continuo movimento; uno strumento utilizzato per affrontare efficacemente l'attuale “asimmetrie insormontabili” del mondo contemporaneo. Intrusioni e stupore sembrano essere parte della nostra vita quotidiana; rifiutiamo l'intrusione della tecnologia nella nostra vita, e allo stesso tempo sentire che siamo più connessi che mai. In assenza di grandi storie, identità contemporanea è volatile, strappata, modificata, adattata.
Josè Ballivián
Sulla base dei costumi del 'Waka Waka', ha costruito tre strutture a forma di toro senza gambe. Questi hanno le maschere dei combattenti del 'Lucha Libre' e all'interno di ogni toro ci saranno rappresentazioni di diversi elementi: terra, acqua e latte. Il Toro avrà la maschera di un lottatore femminile con latte di mucca posta all'interno della scultura.
La danza del Waka Waka è una danza coloniale, creata della popolazione indigena Aymara dopo aver visto i colonizzatori arrivare con le mucche e tori.
Dopo questo antecedente storico, Josè Ballivián decostruisce la tradizione indigena e lo sostituisce in un linguaggio contemporaneo - l'utopia indigena di liberarsi dalla dominazione coloniale, o almeno di eluderla, viene aggiornata.
CANADA
Giardini
Geoffrey Farmer è un artista noto per i suoi progetti artigianali di proporzioni epiche combinando tecniche teatrali con materiali di provenienza storica. Farmer è nato nel 1967 a Vancouver, British Columbia, dove continua a vivere e lavorare. Ha frequentato il San Francisco Art Institute nel 1990-91 e l'Emily Carr Institute of Art and Design nel 1992.
Geoffrey Farmer
Nel corso della sua ventennale carriera, le sue installazioni sono state esposte in numerose mostre personali e collettive in tutto il mondo in luoghi tra cui il Louvre di Parigi, la Tate Modern di Londra, a Kassel, in Germania, il Migros Museum für Gegenwartkunst a Zurigo, l'Art Gallery of Ontario di Toronto, la Galleria d'arte di Alberta a Edmonton, il Musée d'art contemporain de Montréal, Vancouver Art Gallery e la National Gallery of Canada.
CILE
Werken - Arsenale
Bernardo Oyarzún
A curare la mostra di Bernardo Oyarzún (1963) alla prossima biennale di Venezia, dove rappresenterà il Cile, sarà Ticio Escobar. Il tema? Raccontare della comunità Mapuche, gruppo di abitanti indigeni della regione centrale del Cile e del sud-ovest dell'Argentina. La mostra si intitolerà "Werken", e l'opera principale sarà una grande installazione di 10 metri per 11 che, al centro della stanza, formerà una scultura dalle forme irregolari, formata da oltre mille e 500 maschere locali, utizzate nelle cerimonie, mentre alle pareti - su led rossi - scorreranno 6mila e 907 cognomi Mapuche. Il lavoro di Oyarzún, che spesso combina elementi antropologici, sociali e storici al fine di presentare una critica della cultura e della società cilena, stavolta si focalizza sulla differenza e sulla scomparsa delle comunità.
DANIMARCA
INFLUENZA. Revisioning darkness - Giardini
Il Padiglione della Danimarca (Carl Brummer) ampliato nel 1958 da Peter Koch
Il lavoro di Roepstorff si occupa di sistemi di alimentazione riordinati e nuove associazioni. L'artista che lavora tra la Danimarca e Berlino è diventato noto per i suoi collage, che, utilizzando immagini cut-out, possono includere in tessuto, ottone e legno, tra gli altri materiali.
"Drago Giallo del Centro" (2013) di Kirstine Roepstorff
Colorati e astratti, i collage spesso assomigliano ad esplosioni 3D e sono nella collezione del MoMA.
EMIRATI ARABI UNITI
Rock, Paper, Scissors. Positions in Play - Arsenale
Il Padiglione Nazionale degli Emirati Arabi Uniti (EAU) ha annunciato i nomi dei cinque artisti contemporanei con sede negli EAU che parteciperanno alla 57 ° Esposizione Internazionale d'Arte La Biennale di Venezia L’esposizione, dal titolo "Rock, Paper, Scissors: Le posizioni in gioco", presenterà opere di cinque artisti, cittadini e residenti di lungo periodo presso di Emirati: Nujoom Alghanem, Sara Al Haddad, Vikram Divecha, Lantian Xie e il Dr. Mohamed Yousif. A cura di Hammad Nasar, la mostra esplora un filone della pratica artistica negli Emirati Arabi Uniti affine al gioco. Opere esistenti, ricostruzioni di lavori perduti e nuove committenze contribuiranno a mettere sul tavolo una serie di domande: da dove viene la 'giocosità' nella pratica artistica ? Come e dove si nutre il gioco? Che cosa fa il gioco?
Sara Al Haddad
"Siamo lieti di lavorare con questo gruppo di artisti contemporanei nel plasmare una mostra che mette in scena una conversazione inter-generazionale ", afferma Hammad Nasar. "Attraverso artisti diversi e pratiche distintive, crediamo che la mostra darà vita a più ampie idee culturali e sociali su come il “gioco” funzioni nel mondo - come fonte di vitalità e metodo di navigazione".
Vikram Divecha
La pubblicazione che accompagna la mostra servirà come sito ulteriore della mostra e come sua espansione speculativa, con testi recentemente commissionati da collaboratori tra cui: Aisha Bilkhair, Uzma Rizvi, e Murtaza Vali con ulteriori contributi che saranno annunciati a breve. Artisti, architetti e scrittori creativi sono stati invitati a intervenire e rispondere ai temi della mostra, con nuovi lavori a cominciare da: Ramin Haerizadeh, Rokni Haerizadeh & Hesam Rahmanian, Deepak Unikrishnan e la rivista WTD.
ESTONIA
If Only You Could See What I've Seen with Your Eyes: Palazzo Malipiero (2°piano), San Samuele, San Marco
Il Centro per Arte Contemporanea Estonia (CCA) ha annunciato che artista Katja Novitskova rappresenterà il paese alla Biennale di Venezia del prossimo anno con un progetto a cura di Kati Ilves.
Il progetto “Se solo tu potessi vedere quello che ho visto nei tuoi occhi” si basa sulla creazione di Katja Novitskova di un linguaggio visivo, che racconta le storie della società digitale ad alta tecnologia moderna.
Katja Novitskova
Novitskova, la cui carriera è stata in un'ascesa fin dall'inizio, vive e lavora ad Amsterdam e Berlino. Ha partecipato a numerose mostre collettive in tutto il mondo, tra cui “vita” al Modern Museet, Stoccolma; Mosca Biennale di Arte Contemporanea 2015; 13 ° Biennale di Lione; e “Terra di Nessuno: Women Artists dalla Rubell Family Collection” a Miami. La sua nuova mostra personale “Dawn Missione” si apre questo fine settimana al Kunstverein di Amburgo.
FINLANDIA
The Aalto Natives - Giardini
Con il progetto Nativi Aalto gli artisti Nathaniel Mellors e Erkka Nissinen esplorano l'identità nazionale; conosciuti individualmente per il loro lavoro irriverente e spesso comico story-driven, in cui un approccio umoristico smentisce ingannevolmente una profonda indagine questioni contemporanee della morale e potere, Mellors e Nissinen si concentrerà su vari luoghi comuni che circondano la storia finlandese e identità nazionale in Aalto nativi .
Nathaniel Mellors
L'installazione sarà concepita per il contesto architettonico e ideologica del padiglione finlandese, progettato dall'architetto Alvar Aalto nel 1956. idee confondendo e tropi di archeologia, antropologia e la fantascienza, sarà re-immaginare la società finlandese.
Erkka Nissinen
“I Aalto Nativi esplora temi come l'invenzione di identità nazionale e le origini della cultura a titolo di satira assurdo. Vestire le sue ambizioni intellettuali in marcia volutamente sciocco, sia affronta la complessa sfida il nostro mondo globalizzato deve affrontare oggi, e sporge una specie sfacciato di divertimento presso la correttezza politica del suo discorso “, dice il curatore Xander Karskens
FRANCIA
Studio Venezia - Giardini
Xavier Veilhan, classe 1963, l'artista che rappresenta la Francia alla 57esima Biennale d'arte di Venezia ha presentato il suo progetto musicale Studio Venezia durante la conferenza stampa che si è tenuta al Centre Pompidou, accompagnato dai due curatori della mostra, rispettivamente Lionel Bovier, attuale direttore del MAMCO di Ginevra e il noto artista Christian Marclay, che ricordiamo ha vinto il Leone d'oro alla 54esima Biennale di Venezia con il suo filmato di 24 ore dal titolo The Clock. Studio Venezia, un work in progress che vedrà il suo compimento solo alla fine della biennale, è un'istallazione immersiva che rimanda all'universo degli studi di registrazione ma anche all'opera Merzbau (1923-1937) di Kurt Schwitters. Non solo: il Padiglione francese accoglierà quest'opera visiva e al contempo sonora che s'ispira anche al Bauhaus come al Black Mountain College passando per Station to Station di Doug Aitken.
Xavier Veilhan
Molteplici i musicisti invitati a creare in questo spazio di 360 metri quadri, in media per tre giorni, davanti al pubblico della biennale: da Electronic Girls a Zombie Zombie a Sébastien Tellier, ma anche Eliane Radigue. Nello spazio saranno presenti decine di strumenti di epoche diverse ma anche creazioni dell'artista francese. Un luogo in cui gli artisti potranno creare anche durante i momenti di chiusura della biennale, in un inno in divenire dove il momento culminante che s'identifca nel concerto, non rappresenta più l'unico momento interattivo con il pubblico ma una parte dell'insieme. Dal 13 maggio al 26 novembre 2017 l'artista ha promesso che sarà presente quotidianamente alla Biennale per accogliere gli artisti invitati a partecipare al suo progetto che sarà poi portato a Buenos Aires e Lisbona.
GERMANIA
Anne Imhof/New production for the German Pavilion - Giardini
Sarà Anne Imhof a realizzare nel 2017 l’intervento artistico nel Padiglione tedesco alla 57. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia. Espressamente per il padiglione tedesco, Imhof sta sviluppando da maggio di quest’anno un lavoro che si esplica nello spazio e nel tempo. La sua opera comprende pittura, scultura, installazioni e performance. Gli sguardi si incontrano, ma non nasce una comunicazione. Scorgono qualcuno, ma non lo riconoscono. Oltre il gender, individuali e singolari, ma al contempo stereotipati appaiono gli esseri umani nelle pitture e negli scenari di Anne Imhof. Rumori, suono e composizioni infondono ritmo e sincronia nello spazio e al corpo in un tempo dilatato che lascamente si articola in narrazione. L’‚accadere è contingente, tutto può in ogni istante essere diversamente. I movimenti oscillano tra dura quotidianità e rituali enigmatici, tra percorsi prestabiliti e schematizzati o disfunzioni individuali, tra uniformità e punk.
Formatasi nel gruppo, permane l’individualità errante. Anche se cantano insieme, ognuno canta del proprio Io. Su materassi e sacchi a pelo, con sacchi da boxe, mazze da baseball e rasoi i performer si muovono nel campo di allenamento del corpo capitalizzato e della vita ottimizzata. Tesi no ad esplodere o af osciati, i corpi addestrati e fragili paiono un materiale attraversato da strutture di potere invisibili. Ai bio-tecno-corpi è per l’appunto inerente la comunicazione mediale. Sembrano permanentemente trasformarsi in immagini consumabili; vogliono diventare immagine, merce digitale. Anne Imhof affronta la brutalità della nostra epoca con un duro realismo. Nei suoi scenari richiama alla mente come il corpo si costituisca entro delimitazioni materiali e discorsive, tecnologiche, socio-economiche e farmaceutiche. Anne Imhof rende così visibile lo spazio tra corpo e realtà, nel quale la nostra personalità si viene propriamente a creare.
GRAN BRETAGNA
Giardini
Per la 57 ° Mostra Internazionale d'Arte della Biennale, Phyllida Barlow rappresenta la Gran Bretagna al Padiglione britannico, con Rachel Maclean (Scozia) e James Richards (Galles) che presenta le mostre collaterali nazionali.
Rachel Maclean, uno dei più significativi artisti contemporanei che lavorano in Scozia oggi, è cresciuta ad acclamare attraverso recenti mostre personali a casa, Manchester e Tate Britain, Londra. Maclean è noto per le sue opere multimediali, affrontando questioni di identità, valori sociali e politica attraverso racconti di fantasia costruiti. Sotto l'apparenza di un iper-saturi caramelle di colore estetica, Rachel crea personaggi - tutti interpretati da lei stessa - ispirato dalla cultura della società del narcisismo, la storia di favole e mitologie moderne.
presentazione Richards' per il Galles a Venezia Cymru YN Fenis è il suo primo incarico importante in una biennale internazionale ed è costituito da un nuovo, luogo di installazione sonora reattivo che si muove in una vasta gamma di generi e linguaggi musicali - da decine ritmiche attraverso sequenze costruite da campo registrazioni accessorie, suono. L'opera che ne risulta è una vera esperienza cinematografica e multi-sensoriale.
James Richards
Una suite di lavori complementari contenenti campioni d'archivio che si sovrappongono ed estratti musicali ripetute e rielaborate in diverse forme, collaged è anche esposto per la prima volta, così come una nuova opera film realizzato in collaborazione con l'artista Steve Reinke. Attingendo la risonanza culturale ed emotiva dei suoi materiali, Richards crea sorprendenti, interazioni ellittiche del suono, movimento e immagine fissa che creano spazio riflessivo per lo spettatore di trovare le connessioni personali e intuitivi.
GRECIA
Laboratorio di dilemmi - Giardini
L'artista George Drivas rappresenterà la Grecia al 57 ° Esposizione Internazionale d'Arte - La Biennale di Venezia (13 maggio - 26 novembre 2017) con l'installazione video intitolato Laboratorio di dilemmi , a cura di Orestis Andreadakis. Il Museo Nazionale d'Arte Contemporanea, Atene (EMST) è stato nominato commissario della partecipazione nazionale della Grecia. L'opera è stata selezionata da un comitato consultivo, nominato dal Ministero della Cultura e dello Sport, ellenica tra un totale di 30 proposte.
Laboratorio di dilemmi è una video installazione narrativa - sulla base di Eschilo teatrale Iketides (Suppliant Women), che pone un dilemma tra salvare lo straniero e mantenere la sicurezza del nativo. Affrontare temi di attualità socio-politici globali, il lavoro occupa l'angoscia, perplessità e confusione di individui e gruppi sociali quando sono chiamate ad affrontare dilemmi simili.
GUATEMALA
La Marge - Palazzo Albrizzi -Capello, Cannaregio
Il Padiglione Nazionale del Guatemala è rappresentato dalla mostra intitolata “La Marge”. Il margine è il soggetto di tale esposizione ed è analizzato dagli artisti invitati attraverso le varie sfaccettature semantiche e i diversi significati. Il margine è l’orlo estremo di una superficie, il luogo di congiunzione tra due regni della materia differenti, perciò esso è sempre contaminato, ambiguo, morboso.
Maria De Lourdes De La Riva Gutierrez
Lo spazio bianco di una pagina è esso stesso parte integrante del romanzo, pur non usandone l’alfabeto linguistico; serve a dettare i tempi della lettura, a chiudere paragrafi o capitoli, è letteratura non letta.
I barriletes, ossia gli aquiloni dipinti del Guatemala, sono il punto di congiunzione tra il cielo e la terra, la tradizione ed il presente.
Le minoranze Maya che resistono sugli altopiani del Guatemala, altro non sono che la persistenza “marginale” di culture e splendori spenti dalla sopraffazione, dal colonialismo, dalla riduzione in schiavitù.
L’icona è diversa dall’opera d’arte poiché differisce da questa per una sua valenza marginale: si posiziona infatti tra il mondo visibile e quello invisibile. Differisce dall’arte intesa come Rappresentazione essendo essa solo Manifestazione.
Arturo Monroy
Le gemme rappresentano un momenti importante del processo di vita: l’inverno ferma la crescita delle piante ma negli alberi loro emergono, memoria e traccia di una vita passata, germe della vita futura. Le gemme sono come i vulcani poiché possiedono la vita del fuoco.
Attraverso questi ed altri spunti iconografici si costruisce la mostra “La Marge”, sognante disamina delle pieghe dell’umanità; una mostra attenta alla sensibilità poetica degli artisti, al lirismo delle immagini oniriche, fantasiose, ingenue quindi pure.
La mostra è costruita attraverso un percorso sacro simile a quello degli antichi templi a pianta centrale, ove nella peristasi/ambulacro si incontrano opere pregne di valori mistici e soprannaturali fino a giungere al nàos, la cella, occupata dalla liturgica e ieratica divinità del progresso tecnologico, una deità però affermata e contraddetta, poiché ricurva sulla “Natura”, vera signora “soprannaturale” dell’esistenza. Gli artisti scelti a riflettere sul tema della rassegna sono: César Barrios, Lourdes de la Riva, El círculo mágico, Arturo Monroy, Andrea Prandi, Erminio Tansini, Elsie Wunderlich.
IRAQ
Archaic - Palazzo Cavalli Franchetti, terzo piano, San Marco
La mostra, 'arcaica', esplorerà la dualità e la tensione nel concetto di arcaico, che rappresenta sia l'idea di una fonte fondamentale, che è antico e ricco di storia, così come l'idea di qualcosa di obsoleto e non più in uso. La mostra farà riferimento a questa duplice comprensione del paesaggio della Iraq, dove 'arcaica' può descrivere contemporaneamente un antico culturale e geografica
Dea Madre, 5000 aC, di pietra, di origine sconosciuta. Cortesia Iraq Museum, Dipartimento delle Antichità, Ministero della Cultura, Turismo e delle Antichità e Ruya Fondazione
La mostra è il risultato di oltre due anni di dialogo tra Chalabi e Colombo e sarà caratterizzato da manufatti antichi della regione insieme a opere di iracheni Modernismo e nuove commissioni di artisti iracheni che vivono sia in Iraq e altrove.
'Arcaica' sarà la terza occasione in cui la Fondazione ha commissionato Ruya il Padiglione dell'Iraq a Venezia. Ne consegue il successo di critica di 'bellezza invisibile', che Ruya commissionato per la 56esima edizione della Biennale nel 2015 ed è attualmente in mostra al SMAK (Museo di Arte Contemporanea) a Gand, Belgio.
MONTENEGRO
ČOVJEK. UOMO HUMAN - Palazzo Malipiero (primo piano), San Marco
Palazzo Malipiero
Alla 57 ° Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia, con il tema “Viva Arte Viva”, il Montenegro sarà rappresentato da Ivana Radovanović e Adin Rastoder e il loro progetto "Čovjek Uomo umana".
La scultura di Rastoder è una figura immaginaria che emerge dai principi antropologici vitali. Attraverso il suo processo creativo, arriva a insoliti, nuovi, soluzioni e risposte astratte. Ostinatamente alla ricerca di senso nella sua ricerca, coltiva la propria, linguaggio creativo individualizzato.
Adin Rastoder
Egli dà forma e modella figure umane che cercano di arrivare alle loro caratteristiche chiave della personalità. Egli osserva l'umano; analizza attentamente i dettagli che costituiscono il suo carattere e il pensiero; esperienze e rivive il suo essere più intimo; immagina e li dà corpo; si allontana dal visibile e crea una nuova visione del UMANO. Le sue figure hanno tutti la stessa forma, ma ciò che li rende diversi è la loro colori, che indirizzano a ciò che è individuale e ciò che viene condiviso in loro. l'ottimismo dell'artista nei confronti del mondo si esprime l'abbigliamento vividamente dipinto e costumi di queste figure. E, come un valore speciale, rilievi forti e l'espressività dei suoi ritratti, un po 'verso l'alto, vengono in mente - un riferimento alla natura dello sguardo, e ad una forte esperienza di bellezza e di luce.
Ivana Radovanović
Il lavoro di Ivana Radovanović mette in evidenza l'assurdità e l'impermanenza come dimensioni fondamentali della vita umana. Di conseguenza, si dimostra una sensibilità fortemente moderna segnata da una distruzione della personalità e individualità. Questo spirito è, infatti, una raccolta e l'accumulo di sentimenti, immagini, frammenti, che possono essere combinati per formare una nuova mescola ... un nuovo spirito. Ispirato alla poesia "The Hollow Men" di TS Eliot, l'artista affronta l'essere umano visto essenzialmente come un creatore e distruttore, che vive tra Eros e Thanatos. Le sue figure rappresentano le persone deturpate o persone senza volto, senza qualità, privi di qualsiasi significato, indifferenti e degradati in termini di dignità umana.
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