LA PERFORMANCE ART E IL SUO LUNGO VIAGGIO VERSO IL RICONOSCIMENTO
Potremmo iniziare il cammino della performance art come la conosciamo oggi in Grecia antica, dove il filosofo Diogene ha usato il suo corpo come un mezzo per atti performativi che usava volutamente quali strumenti per diffondere il proprio pensiero negli spazi pubblico - dal finge di essere un cane (cinico), al tenere "accademia" in un barile, all'ignorare Alessandro Magno dicendogli di allontanarsi perchè gli copriva la sua luce. Passando alla cinquecentesca penisola iberica, l'esperienza dei poeti fu quella di presentare la loro arte in atti dal vivo che riunivano insieme arti visive, musica e letteratura il tutto in spazi pubblici. Nel XIX secolo troviamo i romanzieri e poeti che invadono i cimiteri per declamare la loro arte ai morti .
Rappresentazione del mito di Diogene di Sino
Tutti questi atti sono stati realizzati volutamente al di fuori dagli spazi delle gallerie o dei musei, come parte necessaria dell'atto artistico, perchè fossero a contatto diretto con la vita ed interagissero con essa. Ma queste iniziative avevano una dimensione occasionale e sporadica; ufficialmente si fa risalire la nascita dell'arte prestazionale al 1909 come parte dell'avanguardia futurista, che ha espresso per la prima volta la precisa intenzione di creare un "atto artistico". come espressione stessa dell'opera d'arte, che vive nella rappresentazione nell'istante in cui viene creato e poi resta nella memoria degli spettatori presenti.
Marina Abramović ed Ulay - Imponderabilia 1977
Segneremo quindi il 1909 come inizio dell'arte performativa per le sue caratterizzazioni modernamente intese, anche se le espressioni dei suoi contenuti fanno parte della storia dell'uomo da sempre; possiamo ritrovare elementi inconsapevoli di questa forma espressiva fin nel periodo del Paleolitico Superiore, se non ci si limita alle pitture rupestri come sola forma d'arte di questo periodo ma includiamo nella definizione, di manifestazione artistica, anche i primi riti di danze religiose come performance: Queste danze esprimevano la stretta interconnessione tra la vita e l'arte; esse erano atti sinceri attraverso cui avere il potere di poter cambiare realtà, invitare la pioggia, far risorgere i morti. Tempi in cui rappresentazione e vita erano uno e l'uno non era meno serio dell'atro.
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In tempi piu recenti, il desiderio di riunificazione di questi due aspetti, vita e rappresentazione, è stato esplorato principalmente attraverso l'arte di performance, ignorando l'autorità delle istituzioni e delle forme d'arte esistenti fin dal dadaismo, cercando di trasformare la vita quotidiana in arte attraverso gli eventi, come nel caso del gruppo Fluxus che proponeva nuove forme espressive, che tendevano a coinvolgere in ugual misura operatori e fruitori; atti che nascessero dalla fusione di più codici artistici, secondo modalità non dissimili da quelle degli happenings, trasformandoli in rituali con una forte componente religiosa ed che comprendono la sofferenza e la gioia come nelle opere dell'artista più famosa di questo tipo di arte ai nostri tempi Marina Abramović . Il mondo dell'arte ha quindi progressivamente accettato le prestazioni come sua parte integrante dagli anni '60, quando si è tentato di passare dall'avanguardia di nicchia, ad una dimensione piu ampia con l'uso dei mezzi di comunicazione; questo processo di inserimento a pieno titolo nelle forme artistiche non è ancora completo dal momento che purtroppo vi è ancora una piccolo numero di storici che si occupano ed interessano a questa dimensione dell'arte, ma d'altra parte i tempi sembrano maturi poiché negli ultimi dieci anni si susseguono le retrospettive di artisti che lavorano in questo campo da più di 40 anni, come appunto la Abramović. Impostazione di idee chiave per un intero secolo della performance art - gli artisti del futurismo
La performance art "ufficialmente", abbiamo detto, inizia il 20 febbraio 1909 a Parigi, con la pubblicazione del primo manifesto futurista sul giornale Le Figaro . Il Manifesto scritto dal poeta italiano, Filippo Tommaso Marinetti, influenzato dal poeta eccentrico Alfred Jarry Ubu Roi e la sua produzione di drammi dell'assurdo, nel 1896. In particolare il suo dramma dal titolo "Madre" era un pezzo satirico che proprio nel dramma vedeva i caratteri più appropriati per una “moderna letteratura” quella capacità di fondere, come spiegava Victor Hugo, «… in uno stesso soffio il grottesco e il sublime, il terribile e il buffonesco, la tragedia e la commedia». La rappresentazione verteva sul fatto che il pubblico ed attori erano a parti invertite; lo spettacolo era il pubblico che si è ritrovato sul palcoscenico mentre la rappresentazione avveniva nella platea. Questo gioco rese famoso il Théâtre de l'Œuvre ed è stato così innovativo da ispirare un'intera generazione di artisti dello spettacolo che trasformeranno la tradizione del teatro a testa in giù - i futuristi .
Théâtre de l'Œuvre à Paris
Marinetti stesso ha presentato nello stesso teatro il suo nuovo gioco satirico intitolato Roi Bombance, solo due mesi dopo la pubblicazione del manifesto e la prima serata futurista ufficiale avvenuta nel 1910 a Trieste, al Teatro Rosetti. Le principali idee contenute in queste prime rappresentazioni erano le critiche alla rivoluzione, alla democrazia, al culto della tradizione e della commercializzazione dell'arte. La polizia austriaca prese nota dei futuristi già dalle prime esibizioni, e li ha chiamati a passare in prigione una notte o due.
Ci si concentra principalmente sul futurismo perché tutte le idee di base circa l'arte della performance in realtà hanno avuto inizio da qui e sono stati poi solo sviluppati nel 20 e il 21 ° secolo. Le idee furono scritte per la prima volta in più manifesti e poi portati alla pratica. I futuristi furono i primi a creare una connessione tra diversi tipi di arte, una connessione in cui i pittori diventavano artisti di spettacolo, perché sentivano che le loro idee sulle sensazioni dinamiche, sulla eterna attività, il cambiamento e l'abolizione dei culti tradizionali nel mondo e nell'arte si potessero meglio e più direttamente comunicare al pubblico attraverso le prestazioni. Inoltre, sono stati i primi ad asserire che gli spettatori devono vivere al centro dell'azione dipinta, che i pittori dovrebbero uscire in strada, lanciare l'assalto dai teatri e introdurre la zuffa nella battaglia artistica, che non si dovrebbe mai creare opere per il pubblico ma con il pubblico; che le idee di simultaneità ed improvvisazione, di istinto, risposta immediata e azione sono la chiave di una buona prestazione (come spiegato nel manifesto teatrale sintetico ).
Il film futurista Thais di Anton Giulio Bragaglia, 1917
Mescolavano tutto; Film, arte del suono, acrobazie, canto, ballo, clown, stupidità e assurdità una storia musicale ispirata al suono delle macchine. Hanno anche cercato di abolire il concetto di avere un performer umano sul palco per spingere l'intelligenza al confine con la follia. Abolirono gli elementi teatrali comuni, inventando sempre nuovi elementi di stupore, non per il solo gusto dello stupire, ma per generare attraverso questo una serie di reazioni ed azioni che in fin dei conti era ed è il vero scopo dell'arte. Attraverso il teatro Variety, il pubblico era coinvolto nella creazione del lavoro per la prima volta, liberandolo dal ruolo passivo di essere "uno stupido voyeur". Ancora oggi le teorie piu raffinate dell'interpretazione artistica devono ringraziare questo movimento quando affermano che la vera opera d'arte non sia l'oggetto (il dipinto, la scultura, la rappresentazione teatrale o musicale) ma l'effetto che questo produce sul bubblico; in ultima analisi l'arte sta nell'emozione suscitata. I futuristi hanno abbracciato tutte le innovazioni tecniche; hanno dato vita alla luce, al suono, le trombe meccaniche dando a queste innovazioni il ruolo principale nelle prestazioni. Anche i movimenti degli artisti sono stati spesso creati come risposte allo sviluppo meccanico e alla musica realizzata da strumenti del rumore, come ad esempio nel caso di "intonarumori" creati da Luigi Russolo . Dada: Irrazionalità come protesta
A partire dalla protesta contro la prima guerra mondiale a Zurigo, il movimento Dada ha continuato a sviluppare le idee futuristiche per avvicinare diversi tipi di arte e portare l'arte nella vita stessa. Si è concentrato sulla qualità irrazionale e non intellettuale degli esseri umani, spesso ispirandosi a culture antiche, tribù e civiltà che valorizzavano la danza rituale, la magia e l'intuizione, dal momento che il linguaggio razionale era quello che ci ha portati in uno stato di giustificazione della guerra, degli omicidi e della distruzione.
la poesia Dadaista Karawane di Hugo Ball
Usavano oggetti trovati nelle strade, materiali liberamente disponibili a della produzione di oggetti di massa, trasformandoli in arte semplicemente decontestualizzandoli e ricontestualizzandoli, oppure usandoli per creare maschere e costumi per le loro esibizioni selvagge. Il centro più importante della loro produzione artistica è stato iniziato da Hugo Ball e Emmy Hennings, che ospitarono serate DADA per cinque mesi; eventi in cui la poesia, la danza, la musica, i dipinti e le sculture erano tutti riuniti, serate festose in cui Hugo Ball recitava la sua famosa poesia Karawane, consistente solo in lettere che formavano parole senza senso compiuto e abolivano completamente la lingua referenziale. Primi esperimenti istituzionali - Il Bauhaus
Anche se Bauhaus è considerato importante come scuola di architettura e di design, c'è una parte cruciale che ha interconnesso tutte le idee fondamentali dell'architettura - la nozione di spazio stesso e la nostra relazione con essa. Il Workshop Stage era la sua parte centrale diretto da Oskar Schlemmer, che ha iniziato a sperimentare performance che mettevano in discussione il rapporto tra la teoria e la pratica, la pittura e la danza, le forme geometriche come ideali e il movimento umano come realtà. Altri importanti esperimenti sono stati creati attraverso le famose Bauhaus Dances; feste in costume dove tutti i partecipanti creando una performance improvvisata in costumi con un tema condiviso.
Tale fu il famoso festival Metallic, dove esplorano i movimenti che questi costumi/sculture avevano su di loro e sul loro movimento, in una sorta di danza dei corpi e delle forme celebrando e facendo arte contemporaneamente. Uno dei pezzi più importanti della Bauhaus fu il Ballet Triadico di Schlemmer del 1922, che esplorava la relazione tra uomo e spazio, meccanico e naturale; composto da tre ballerini, tre composizioni architettoniche dello spazio, diciotto costumi e dodici danze, che si esibivano per diverse ore non rappresentando arte, ma creandola all'istante. Questo lavoro era alla ricerca dell'ultimo equilibrio degli opposti, dei concetti astratti e degli impulsi emozionali; un'idea chiave esplorata attraverso la teoria della performance di Schlemmer. La chiave per comprendere le prestazioni degli artisti - Black Mountain College
Nel 1933, una comunità d'arte costituita nella Carolina del Nord, quando ventidue studenti universitari e nove membri della facoltà si sono trasferiti in un complesso rurale Black Mountain, circondati da montagne, vallate e natura. La comunità ha vissuto e fatto arte insieme, creando unità e armonia tra queste due categorie. Il loro approccio sperimentale all'educazione artistica presto attirò artisti visivi, scrittori, drammaturghi, ballerini e musicisti disposti a imparare, vivere e lavorare lì. Questa è stata l'istituzione sperimentale più importante per la nascita delle neo-avantgarde e delle idee contemporanee nella performance art. Ispiratori principali di questa comunità furono due artisti chiave che erano allora agli inizi delle loro carriere: il compositore John Cage e ballerino Merce Cunningham. Tornando all'esplorazione di alcuni primi manifesti relativi al suono e alle prestazioni come quelli del futurismo, John Cage ha iniziato ad inventare nuove forme di suono, mettendo il silenzio e non il suono in una posizione centrale, sperimentando performance musicali strutturalmente improvvisate, insistendo sull'indeterminazione, trovando ispirazione in Filosofia del Buddismo Zen.
Aveva il sostegno della ballerina Merce Cunningham, il cui lavoro si basava anche su mezzi di fortuna, abbandonando il concetto narrativo della performance dance. Hanno unito il loro lavoro e hanno creato suoni e movimenti ispirati alla vita quotidiana; camminare, stare in piedi, respirare, rimanere in silenzio. Nel 1952, John Cage fece il suo lavoro più importante, 4 '33 " che consisteva in lui seduto al pianoforte, senza suonare assolutamente nulla, in modo che il silenzio e qualsiasi suono creato dal pubblico diventassero la realtà artistica. In questo stesso anno, Cunningham è tornata al Black Mountain College e, insieme ad altri allievi, ha creato il pezzo chiave dell'evento Senza titolo. In questo periodo hanno interconnesso tutti i tipi di arte con la filosofia Zen, l'improvvisazione e la libertà. Ciò ha dato origine a movimenti e idee che si svilupparono ulteriormente attraverso Fluxus, ed hanno posto le basi per i vari esperimenti in performance art che si sono creati durante e dopo gli anni '60. Gli anni '60 - Media e popolarità improvvisa
Proprio come in politica, filosofia e sociologia - gli anni '60 furono un periodo di grandi e radicali cambiamenti nella scena artistica, che permise all'arte performativa di diventare più popolare e accessibile al grande pubblico. Molte opportunità provenivano da innovazioni tecniche, come la disponibilità di videocamere, che hanno cambiato l'idea della trasmissione e della moltiplicazione. All'improvviso tutti avrebbero potuto mettere su nastro la propria arte senza dover avere alle spalle una grossa azienda produttrice, per cui l'arte performativa si sarebbe diffusa orizzontalmente diventando più accessibile oltre i confini di luogo e tempo. Fu questo, ovviamente il periodo in cui si è aperto, grazie alla ricerca della performance art, unita ai mezzi tecnici, l'inizio per nuovi strumenti per gli artisti ed aprire il mondo della video art. I movimenti come Fluxus hanno cambiato il modo in cui vediamo l'arte stessa iniziando a mettere in discussione che vi fossero dei luoghi specifici dedicati all'arte (come musei e gallerie) creando invece occasioni in cui le attività quotidiane e l'arte si intrecciano: fu il tempo degli Happenings. Già nel 1959 ci furono ben 18 eventi di Allan Kaprow che dava al pubblico indicazioni su come condurre una performance, attraverso attività come dipingere un'immagine, spremere un'arancia, scalare o urlare uno slogan politico - proprio come le prime letture di Duchamp, ma ora lo c'è un passo ulteriore che rende identico il fatto quotidiano e l'oggetto dell'arte .
Yoko Ono - Cut Piece (1966)
Durante questo periodo, per via di nuovo interesse al concetto di identità tra oggetto e oggetto, gli artisti hanno cominciato ad interrogarsi su questioni circa il corpo; inteso come oggetto tra gli oggetti, capace di essere quotidiano ed interprete allo stesso tempo della quotidianità come dell'insolito. Qui esplorano nuove idee come dolore, sofferenza, rituale, la posizione del corpo e dell'identità femminile. Uno dei pezzi più importanti di questo periodo che combina tutte queste idee è la performance di Yoko Ono (1964) che seduta al centro si rendeva disponibile a farsi tagliare dal pubblico le vesti. Altri artisti influenti del periodo sono stati Yves Klein con il suo pezzo chiave Antropomentry of the Blue (1960), dove l'artista usava corpi femminili come pennelli per il suo famoso pigmento azzurro, Joseph Beuys con il suo lavoro che ha ampliato la definizione dell'arte stessa spiegando le immagini ad una lepre (1965), il lavoro politicamente impegnato e anti-guerra di Yayoi Kusama, che includeva una performace nuda in spazi pubblici attraverso Flag Burning sul ponte di Brooklyn (1968).
Gli anni '70 - Rituali Radicali
Durante questo periodo, gli artisti hanno già iniziato a utilizzare la video arte in maniera più innovativa ed esplorando le possibilità umane di sopportare il dolore e la sofferenza, attraverso performance che si sono concentrate molto sul corpo e sul suo aspetto materiale. L'arte femminista ha cominciato a essere onnipresente nelle esecuzioni, soprattutto attraverso le innovazioni di Carolee Schneemann e del suo pezzo Interior Scroll (1975), dove ha estratto un rotolo di carta dai suoi genitali e poi lo ha letto, cambiando l'idea della posizione del femminile nell'arte. L'artista più conosciuta per le sue performance oggi, Marina Abramović, ha anche iniziato a sperimentare direttamente sul suo corpo, il rituale e il dolore. In questo periodo, nel suo più importante lavoro Rythm 0 (1974) si è posta come un oggetto e ha dato al pubblico 72 strumenti che potevano liberamente utilizzare per causarle sia piacere sia dolore, durante un periodo di 6 ore.
Carolee Schneemann in Interior Scroll
Le performance degli anni '70 erano fatte per lo più in maniera rituale, elemento che ha interconnesso tutti i diversi approcci all'esplorazione della materialità della nostra esistenza. Ci fu un concetto completamente nuovo che emerge da Gilbert e George, due artisti britannici che si esibivano insieme come sculture viventi e meglio conosciuti per la loro prima esecuzione delle sculture del canto (1970), che potevano durare per un intero giorno. Il tempo nelle performance è divenuto anche un elemento chiave, che Abramović ha esplorato più tardi nelle sue lunghe opere. Questo aspetto è stato esplorato dall'artista taichese Tehching Hsieh, già a partire dalla fine degli anni '70 con le sue opere che duravano per un intero anno e che coinvolgeva l'utilizzo della tecnologia come parte integrante di esso, come nel Time Clock Piece (1980-1981), in cui l'artista ha scattato una foto di sé ogni ora per un anno all'interno del suo appartamento e ne ha fatto un film di 6 minuti.
100 anni dopo - Accettazione completa?
Il lavoro più importante di questo secolo è sicuramente quello dell'artista Abramović che nel 2010, al MOMA di New York ha presentato un lavoro in cui ha trascorso più di 736 ore all'interno di un museo, seduta su una sedia in silenzio e guardando negli occhi di ogni visitatore che si andava a sedersi sedersi davanti a lei. Questa performance è stata seguita anche da una retrospettiva, concentrandosi su più di 50 opere che si estendono per oltre quattro decenni della sua presenza artistica, ed in cui alcune delle sue prestazioni furono ricreate da altri artisti come parte della mostra.
Altri artisti come Gilbert & George hanno ottenuto la loro retrospettiva: recentemente, nel 2007, alla Tate Modern. La mostra ha riguardato 40 anni di carriera. Nel 2009 si è svolta la prima e cruciale Performance Art Retrospective, che copre 100 anni della sua storia, prodotta da PS1 e Performa e co-curata da Roselee Goldberg. Per quanto riguarda gli artisti contemporanei, che combinano sia video, foto e film con l'idea della performance, vanno segnalati Tania Bruguera, Tino Sehgal, Allora & Calzadill , Sigalit Landau e Ryan Trecartin che stanno avendo molta piu facilità a trovare spazi per esporre le loro opere, grazie alla popolarità improvvisa ed alla accettazione dell'arte di performance. Questo è quel che è accaduto rapidamente dal 2010, cento anni dopo gli inizi di questa forma d'arte.
Che cosa ha richiesto così tanto tempo?
Potrebbe essere forse che l'immaterialità e la non definizione di questa forma d'arte impedisca di influenzare il mondo dell'arte negli ultimi cento anni del capitalismo, un'era che ha cercato di restringere il mondo a una definizione binaria sempre materiale, e cosa gli ha impedito di consolidarsi fin ora? Molto probabilmente il fatto che è un tipo di manifestazione artistica che non può essere facilmente immessa sul mercato. È stata l'incapacità di mettere una performance su un muro come un dipinto o venderla come un "gioco" o il fatto che non possa entrare come nel regolare repertorio di un certo teatro o in un "concerto" all'interno di un'istituzione musicale.
E' vero che la performance art condivide alcuni aspetti con altre forme d'arte di tipo immateriale d'arte, come il teatro o la musica, ma queste trovavano facilmente mezzi di distribuzione tradizionale nella storia dell'arte perchè pur essendo reinterpretabili, erano a loro modo riproducibili e replicabili. Queste forme d'arte hanno avevano un pubblico consolidabile dato che si tengono in luoghi dedicati ad esse, elemento che le distingue dall'arte performativa pura. In oltre queste forme d'arte godono di una piu facile definizione ed identificazione e forniscono una evidente distinzione tra arte e vita e una evidente distinzione tra l'artista e il pubblico; le rappresentazioni teatrali sono tenute sul palco che ha crea una barriera fisica, proprio come quelle musicali, o dalla struttura, dalla sceneggiatura, dalla perfezione, dall'armonia e dalla bellezza come elementi definitori. La performance art ha, come abbiamo visto, messo in discussione questi elementi distintivi dei ruoli e degli spazi. Le performance, come abbiamo detto, prevedono la partecipazione attiva del pubblico per essere attivate e non sempre il pubblico è pronto e disponibile ad essere parte e non spettatore di un'azione artistica.
Anche se è iniziato come un movimento d'avanguardia nelle strade e nei cabaret, senza avere un'istituzione ufficiale ad ospitarla regolarmente e venderla (dato che il pubblico non era ancora sicuro se la performance fosse un'arte per tutti) e poiché i professionisti del settore erano piuttosto contrari all'idea di istituzionalizzarsi ed essere parte di un mercato. Attualmente questa fase è superata e si è avviata una fase di istituzionalizzazione e sono venduti da gallerie, proprio come tutte le altre forme d'arte, dal momento che è finalmente accettata e riconosciuta. Nel frattempo, c'è stato un importante sviluppo dei media e della tecnologia, che ci ha permesso non solo di pagare per vedere questo forma d'arte all'interno di un'istituzione, ma anche di catturarla e distribuirla facilmente in forma di fotografia e di video arte - e questo la rende più materiale e prezioso sul mercato. Attualmente stiamo vivendo in un momento in cui l'arte delle prestazioni è lentamente diventata una forma d'arte tradizionale, ma è anche sempre più difficile trovare ed esprimere gli ideali anarchici iniziali che hanno iniziato l'intera storia di questa forma d'arte, con la loro incertezza, fluidità, vicinanza alla vita, alla non definitività.
