IN ARTE (E NON SOLO) NULLA È ORIGINALE
"I mediocri imitano, i geni copiano" così affermava Picasso, ma allora che cosa rende l'arte di un artista davvero sua? Oggi sembra che tutto sia già stato inventato. Non ci sono invenzioni originali e nuove perché anche la parte modesta di un'opera come anche di un qualsiasi prodotto umano è costituita da qualcosa di già esistente. Ogni nuova canzone ha un riff che già da anni è già stato pensato; ogni film di nuova uscita ha almeno una scena che, nel migliore dei casi, assomiglia ad un classico; ogni nuova automobile o prodotto industriale è al massimo è un lieve perfezionamento di altri e ogni pezzo d'arte è una variante di un lavoro di un artista conosciuto o sconosciuto da qualche parte nel mondo.
Pablo Picasso - Bull
Considerando tutto questo, come possiamo sostenere chi sia e che diritti abbia l'autore di qualsiasi cosa? Pensare in questo modo è piuttosto radicale, anche se logico, signirebbe che nessuno possiede nulla e che l'intera prospettiva della storia e dell'evoluzione vada rivista. Tuttavia, ciò suscita certamente alcune domande interessanti. Nel mondo dell'arte, alcuni degli artisti più famosi e rinomati di oggi hanno basato la propria opera sul rimodellamento dell'arte esistente e qualcuno ha subito cause legali con gli autori dei pezzi presunti originali. Se accettassimo la premessa precedente, dovremmo logicamente dedurre che ogni singola persona al mondo sia un plagio di sorta; noi siamo la "copia" (genetica) dei nostri genitori. Anche se tutti sappiamo che non è così semplice, questo ragionamento ci porta ad un altro problema simile: quando l'arte si trasforma in falso ?
Principianti di apprendimento d'arte
Richard Prince - New Potaits
Quando Richard Prince aprì la sua ultima mostra in settembre, intitolata "New Portaits" con foto prese dagli account Instagram e che ha poi stampato su tela, e rivenduti a 90 mila dollari l'uno, il pubblico ha cominciato a osservare che agli artisti si permette troppo al giorno d'oggi. Prince è uno dei leader del processo chiamato appropriazione, ma non è il primo artista che ha usato questa tecnica a suo vantaggio. L'appropriazione non è un metodo moderno, per questo è importante comprendere appieno quello che sta ad indicare. Chiarito dagli esperti di MoMA, che hanno organizzato la mostra, che il lavoro di Prince era basato su screenshot di altre persone resi volontariamente pubblici, e che la copia e l'alterazione di immagini e oggetti preesistenti, è stato uno strumento legittimo di espressione da più di un secolo.
Marcel Duchamp - Fountain
La galleria Tate traccia la pratica di nuovo al Dadaismo, un movimento artistico dell'avanguardia europea del XX secolo che aveva affinità politiche con la sinistra radicale ed anti-borghese. Una delle figure fondamentali del movimento fu Marcel Duchamp, pittore, scultore, scacchiere e scrittore franco-americano che, insieme a Pablo Picasso e Henri Matisse, è stato considerato uno dei tre artisti che hanno contribuito a definire gli sviluppi rivoluzionari nelle arti plastiche. Duchamp è anche conosciuto come uno degli attuatori di ciò che ora chiamiamo appropriazione.
Il Readymade
Roy Lichtenstein drowning girl
Quando nel 1914 Marcel Duchamp realizzò le letture iconiche (oggetti ordinari e quotidiani che l'artista ha selezionato e modificato) fu rivoluzionario. Lo faceva come antidoto a quello che chiamava "arte retinica" arte che era solo visiva. Semplicemente scegliendo l'oggetto e riposizionandolo o unendolo, titolandolo e firmandolo, l'oggetto diveniva altro, assumeva un un altro senso, un altro valore prorio grazie alla distanza percepita tra l'oggetto e la sua reinterpretazione divenendo arte. I criteri per la selezione dei pezzi effettuata da Duchamp era "indifferenza visiva e le selezioni riflettono il suo senso dell'ironia, dell'umorismo e dell'ambiguità ". E non si pensi che questo approccio sia riservato solo alle arti moderne, tutta la storia dell'arte è una reinterpretazione: avrebbe senso individuare quale fu la prima "Madonna con Bambino" ed è forse pensabile che
Andy Warhol - Marilyn
Quando gli fu domandato per la prima volta il suo parere su quale chiave di lettura si dovesse applicare ai suoi lavori egli disse: " La cosa curiosa è che non sono mai stato in grado di arrivare a una definizione o una spiegazione che mi soddisfa pienamente ". Anni dopo, l'artista ha aggiunto, "Non sono affatto sicuro che il concetto di readymade (un oggetto comune prefabbricato isolato dal suo contesto funzionale, defunzionalizzato e rifunzionalizzato tramite il solo atto di selezione di un artista ad opera d'arte) non sia l'idea più importante per guardare il mio lavoro, quello di Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg che appropriavano immagini dall'arte commerciale e la della cultura pop e, nel caso di Sherrie Levine, si sono anche appropriati dell'arte stessa. Questo è quando il metodo ha raggiunto un livello completamente nuovo e ha prodotto alcune delle più iconiche opere d'arte.”. In ogni caso, questo è il primo esempio documentato di appropriazione nella storia dell'arte anche se il nome non era in uso comune fino agli anni '80 , quando fu riferito agli artisti come Andy Warhol
Un'era di apprendimento
A sinistra: Jim Krantz, a destra: Richard Prince
Tra gli artisti ora top charts a livello mondiale c'è Damien Hirst, quando ancora era un artista emergente, creò polemica con un'opera che era considerata una copia del lavoro di Marco Pierre White; e questa fu solo l'inizio delle accuse ad Hirst di appropriazione. Molti artisti che costruirono le loro carriere negli anni '70 e '80 attraversarono accuse di plagio più o meno evidenti; fu questo il periodo in cui l'appropriazione diventò ufficialmente un metodo legittimo e fu utilizzato in molti pezzi d'arte e da numerosi artisti. Durante questo periodo Richard Prince ha rielaborato annunci pubblicitari come quello per le sigarette di Marlboro che con il suo lavoro ha trasformato senza nasconderlo foto di campagne pubblicitarie anonime e onnipresenti per sigarette, ne ha elevato lo stato e ha focalizzato lo sguardo sulle immagini. Il fotografo Art Rogers ha presentato causa contro Jeff Koons per violazione del copyright nel 1989 (nell'ottobre 2006 Koons ha vinto per un uso equo); Nel 2000 Hirst è stato citato per aver violato il diritto d'autore per la sua scultura Inno nonostante il fatto che ne avesse trasformato il soggetto; e nel 2008 il fotoreporter Patrick Cariou ha citato in giudizio l'artista Richard Prince, e la Gagosian Gallery e Rizzoli per violazione del copyright.
Damien Hirst - Lullaby the Seasons
Anche se l'appropriazione ha una lunga storia, negli ultimi anni ha portato a numerose questioni in materia di copyright. Da un lato rende ancora più difficile e rischioso l'opera di un artista, mentre la politica più restrittiva potrebbe, una volta per tutte, fissare i confini universali e così evitare problemi futuri riguardanti il processo di creazione. Ma la domanda finale a cui rispondere potrebbe essere: chi è l'autore, il detentore dell'idea, chi produce pastiglie colorate ad uso farmaceutico o chi le ricompone per forme e colori senza alterarne la forma ma il senso?
E non si pensi che questo approccio sia riservato solo alle arti moderne, tutta la storia dell'arte è una reinterpretazione: avrebbe senso individuare quale fu la prima "Madonna con Bambino" e se anche la trovassimo questa toglierebbe valore alle successive? Ed è forse pensabile che i grandi maestri del passato come Leonardo e Michelangelo non si siano ispirati e non siano stati a loro volta ispiratori? Loro stessi lo dichiaravano pubblicamente.
E alla fine, qualunque opinione si possa avere sul tema dell'appropriazione e dell'arte che è stata prodotta in questo modo, ricordatevi che, alla fine, al giorno d'oggi non esiste un'arte originale, è solo più o meno visibile. E concludiamo come abbiamo iniziato con una frase di Pablo Picasso: "Tu fai qualcosa e poi arriva qualcun altro e lo fa meglio"
