L'ESPRESSIVITÀ DELLA FORMA - IL FORMALISMO NELL'ARTE NON È SOLO FORMA
Come giudichiamo il valore dell'opera d'arte? E no, non stiamo parlando del suo prezzo sul mercato. Una delle risposte più classiche a questa domanda è che la giudichiamo per sua forma, da quegli elementi strutturali che sono sempre visibili all'occhio - quello che chiamiamo formalismo nell'arte . Questo approccio per decifrare l'arte ha dato origine alla scienza dell'arte, alla critica d'arte, così come ad un modo specifico di creare l'arte concentrandosi sulla sua qualità visiva e estetica . La strada per comprendere ciò che è il formalismo nell'arte ci porta a partire dalle idee filosofiche di Platone, Aristotele e Immanuel Kant, passare attraverso gli esperimenti dell'avanguardia, fino ad arrivare all'ideale contemporaneo dell'arte socialmente impegnata e concettuale .
Allo stesso tempo, nel suo fondo, il formalismo contiene la domanda delle domande - che cosa è l'arte? Come possiamo sapere quando siamo in presenza di qualcosa di veramente magnifico? C'è un modo universale per determinare la qualità di ogni singolo lavoro e utilizzarlo per ricreare il sublime? La storia dell'arte o per meglio dire l'arte stessa è una espressione tipicamente umana e come tale ha percorso con l'uomo la sua storia, alle volte seguendola, piu spesso anticipandola ma sempre interpretandola; ha passato con l'uomo le sue fasi di evoluzione e rivoluzione trasformandosi con esso In molti hanno creduto che ci fosse uno schema universale per definire un'opera d'arte; affermavano che l'eccellenza artistica può essere trovata nella struttura dei suoi elementi, che può essere sezionata e misurata, come con tutta la buona scienza, ma cosa più importante, che svela l'essenza stessa della creatività umana.
L'arte per l'arte - Che cos'è il formalismo nell'arte?
Samuel Morse - Galleria del Louvre, 1833
Allora, quali sono gli elementi compositivi che il formalismo mette in evidenza? Oppure, meglio ancora, che cosa non è il formalismo? Ogni volta che ci si ferma ad apprezzare l'ironia sulla morte e sulla vita insita nelle opere di Gustav Klimt (1908-16) od a fare un profondo commento sociale sulla rabbia di Banksy, abbiamo eseguito un processo di decodifica del formalismo: attraverso l'osservazione di forme giungiamo al contenuto, tutto nel lavoro dell'arte è legato al simbolismo, al contesto in genere e all'iconografia che è un aspetto preponderante a ciò costituisce la sua espressione materiale, la figura, la forma, il colore, la rappresentazione, la pennellata, la pietra che la costituisce.
Gustav Klimt - l'albero della vita
Ma questi elementi non vanno sottovalutati, anzi essi sono essenziali e fondamentali; innanzitutto perchè questi sono gli elementi comuni che tutti i lavori che in ultima analisi condividono e quindi gli unici elementi che possono fornire una base per capire l'arte nel suo complesso generale. E in secondo luogo, mettendo in collegamento questi elementi; forma e contenuto, possiamo notare che questi dialogano costantemente tra loro; l'uno conferma l'atro: sono inscindibili e cosa assai importante, il contenuto varia secondo alcune variabili legate al tempo, al contesto ed all'osservatore mentre la parte formale rimane stabile e ciò significa che l'arte può diventare una sfera autonoma della creazione umana.
Banksy
Chiarito questo aspetto di "dialogo" tra elementi fissi e variabili, ne subentra necessariamente un terzo: il suo scopo, cioè quali effetti la creazione intende o debba volontariamente produrre, se esiste uno scopo finale, il quale però non può essere se non in minima parte preordinato dall'autore. Il formalismo, risolve il problema con la formula dell'arte per l'arte. "L'arte è per l'arte, senza scopo, è la natura intima dell'arte "- Benjamin Constant, 1804 L'arte per l'arte è forse una delle linee più famose in tutta la storia dell'arte e non è legata come si potrebbe pensare ai canoni classici dell'arte; essa percorre tutte le fasi dell'arte; in definitiva tutta l'arte ed è strettamente connessa al movimento formale giungendo ad affermare che il significato dell'arte sta nell'amore per l'arte. L'arte non aveva bisogno di alcuno scopo diverso dalla sua bellezza intrinseca.
Se il valore dell'arte può essere trovato solo attraverso gli elementi strutturali, allora nulla al di fuori di questi elementi può rappresentare motivo per la creazione dell'arte. Queste idee di forma al centro della creazione artistica avevano manifestazioni diverse in diversi movimenti artistici. Per i romantici, la forma era dove cercavi l'essenza dell'arte; per i simbolisti e gli impressionisti, era il suo potere superiore a trasmettere l'intenzione dell'artista; per gli espressionisti astratti, era la ragione d'essere - per il significato dell'arte, non si dovrebbe cercare null'altro che la forma .
Storia del formalismo - la questione dell'estetica
Raffaello - Filosofia (Scuola di Atene), 1509-1511. Stanza della Signatura, Palazzo Vaticano
Platone fu il primo pensatore a introdurre il concetto di forma. Per lui, forma o aspetto, erano un elemento indispensabile condiviso da tutti i fenomeni tangibili e astratti al mondo. Le sue idee erano rivolte a come comprendere la percezione umana, del perché un ritratto o un'ombra sono ugualmente importanti e significative per noi come la cosa nel reale da cui prendono. Le teorie di Platone erano la base per la nascita della disciplina estetica - lo studio della bellezza. Aristotele credeva che la catarsi nell'arte possa essere raggiunta solo se il lavoro è dominato dalla sua struttura. Immanuel Kant, d'altra parte, era più interessato all'universalità. Le sue missioni filosofiche alla ricerca della verità universale lo conducono a concludere che solo la forma materiale di un oggetto d'arte ci permette di giudicarla ugualmente da persone diverse, secondo in quale tipo di mondo vivono, perchè se andiamo sul piano del contenuto, ogni cultura, ogni esperienza personale induce a vedere le cose in modo diverso, senza mai raggiungere una conoscenza oggettiva.
Immanuel Kant
Da Kant abbiamo ereditato l'idea della forma, che in seguito porterà all'analisi di ciò che oggi chiamiamo stile. Fu attraverso la lettura di Kant che l'estetica dell'arte e la critica d'arte con essa presero gradualmente forma. Come idea, il formalismo raggiunse il suo picco nel periodo dell'alto modernismo, tra gli ultimi decenni del XIX e la prima metà del XX secolo . Questo non ci deve sorprendere se ci ricordiamo che le prime opere di arte astratta appaiono proprio in questo periodo. È attraverso la lettura di Kant che l'estetica dell'arte e la critica d'arte con essa furono formulate da Eduard Hanslick (1891), Clive Bell (1913) e Roger Fry (1920). L'arte non rappresentazionale ha portato questo nuovo modo di espressione dove spesso nulla è individuabile, discernibile se non la sua struttura, ispirata notevolmente dall'evoluzione del pensiero estetico sull'espressività della forma . Le opere di Piet Mondrian e Jackson Pollock, insieme al loro pensiero sull'arte, hanno spinto il critico d'arte americano Clement Greenberg (1960) a formulare questo approccio formale per analizzare l'arte moderna solo attraverso quegli elementi utilizzati per la creazione.
Filosofia del formalismo - forma nella letteratura e nella musica
Umberto Boccioni Forme uniche nella continuità dello spazio (1913)
Una grande parte della filosofia del formalismo è legata all'inseguimento del secolo XIX per la verità scientifica. Le persone credevano che nell'arte, come nella fisica o nell'architettura, si debba imparare a riconoscere gli aspetti formalistici del lavoro per capire l'arte come disciplina scientifica. Tale disciplina studia come l'arte veniva creata, attraverso quali processi si dovesse passare per capire cosa stiamo guardando, leggendo o ascoltando. Il formalismo è la base che ci rende possibile a noi oggi di iscriverci a programmi e corsi di letteratura presso la teoria letteraria, la musica e la storia dell'arte presso le università; in ultima analisi il formalismo offre una base solida di elementi percorribili, ri percorribili ed analizzabili garantendo una chiave di lettura logica ed oggettiva. È il motivo per cui ci sono ancora oggi sia possibile studiare i dettagli della Mona Lisa o attribuire un opera ad un determinato autore a posteriori. Questa filosofia, disciplinata dal pensiero logico del XIX secolo, ci ha permesso di comprendere la sintassi in un capolavoro letterario, la successione di accordi in una sinfonia orchestrale, ogni respiro nella performance dell'attore. Il formalismo ha portato alla ribalta i concetti essenziali per le arti del colore, della struttura, del ritmo, della composizione e del flusso, i concetti che tutti noi usiamo quando cerchiamo di descrivere la bellezza.
Il formalismo è stato un tentativo di indagine filosofica sulla stessa natura dell'arte e come tale è stato un approccio tra molti altri, come il volontarismo, l'intellettualismo e il naturalismo. Ma, ha investito tutte le arti con una tempesta. Il formalismo era particolarmente forte nella musica. Ha posizionato la musica stessa come sopra la trama, i compositori e anche il testo stesso anche nelle opere vocali. Nella letteratura, il formalismo intendeva concentrarsi sull'esplorazione del significato di un lavoro letterario solo da quello che possiamo sperimentare mentre la leggiamo, e quindi solo considerando quegli elementi inerenti al testo - grammatica, sintassi, tropici ecc.
I Critici d'Arte: Clive Bell e Clement Greenberg
Ritratto di Clive Bell di Roger Fry
Una delle figure più importanti del formalismo fu lo scrittore e critico d'arte di Bloomsbury Clive Bell . Il suo libro del 1914, Art è stato il primo tentativo di definire la forma nell'arte visiva e lo ha fatto attraverso la sua nozione di forma significativa . Riflettendo sull'ideologia L'art pour l'art, il suo scopo era quello di dare prova irrefutabile che la forma d'arte è diversa da quella che troviamo in tutti gli altri oggetti. Bell credeva che le emozioni che sperimentiamo quando guardiamo un'opera sono suscitate dalla sua qualità formale e non dalla sua materia, sensazione che ha chiamato 2emozione estetica". La forma significativa è in realtà una combinazione di elementi formali, principalmente linee e colori che Clive Bell pensava costituire elementi di costruzione di tutta l'arte visiva.
Clement Greenberg
Seguendo le influenze del pensiero di Bell, il critico americano Clement Greenberg si è rivelato il più forte sostenitore del formalismo e dell'arte moderna. Egli operò un profondo lavoro di analisi nel tentativo di codificare gli elementi espressivi dell'arte non rappresentazionale, è indiscutibile che le opere di Pablo Picasso, di Clyfford Still, di Mark Rothko e di altri artisti espressionisti astratti senza il lavoro di Greenberg non sarebbero mai stati così rapidamente accettati nella comunità artistica statunitense. Per Greenberg, il rifiuto della rappresentazione da parte di artisti astratti era una naturale evoluzione dell'arte visiva. La manipolazione della forma era il principio base dell'espressione artistica; manipolazione appunto, ma sempre della forma.
L'analisi formale di una pittura - cosa costituisce la forma
Mark Rothko - Blue, Green, and Brown, 1952
Per quanto riguarda il significato della parola "formalismo", l'analisi formale dell'opera d'arte si riferisce alla descrizione di elementi puramente visivi. Il ruolo di analisi formale è individuare tutti gli elementi della forma nell'opera dell'arte e spiegare la loro composizione, la loro interconnessione - la composizione del lavoro . Allora, quali sono questi elementi? Le spiegazioni che si possono trovare differiscono in numero, ma sono d'accordo sul più importante: linea, colore, forma, spazio e texture. Quando cerchiamo di descrivere la linea, ci chiediamo se sia diritta, curva, fluida, spessa o sottile, orizzontale o verticale. La forma e lo spazio rappresentano la relazione degli oggetti del dipinto e dello spazio dietro di loro.
Paul Jenkins
La domanda principale è se la forma è geometrica o organica, quante forme sono utilizzate per produrre l'immagine desiderata? In quale dimensione, forma dello spazio, sono disposti? Il colore è, oltre alla linea, l'elemento più importante di un dipinto. Descriviamo il colore attraverso i concetti di tonalità (rosso, blu, giallo ecc.), Valore (luminosità), intensità (purezza), saturazione, distinguendo tra colori primari e secondari e in considerazione delle loro complementarietà. La struttura è l'ultimo pezzo del puzzle che ci dà l'idea della qualità di superficie di un oggetto. È di seta la giacca dell'uomo nel ritratto che? Qual è la consistenza di un dato oggetto che che sentiremmo se potessimo toccarlo? Per fare un'analisi di successo bisogna farsi la domanda più importante: Qual è la composizione del dipinto? È la danza collettiva di tutti questi elementi che costituisce la forma significativa , quella che fornisce la sua espressività.
Arte formale - Creazione dell'assoluto
Jackson Pollock
Le opere d'arte che possiamo inserire nella corrente formalista hanno raggiunto la fama con altri nomi - l'arte moderna, l'arte astratta, l'avanguardia, ma qui vengono declinati con termini che si riferiscono alla loro origine filosofica. Dopo tutto, il famoso saggio di modernità di Clement Greenberg (1960) utilizza proprio le opere di Jackson Pollock come esempio del formalismo. Greenberg vede nello stile di Pollock il più grande esempio di quella manipolazione di forma pura.
Georges Braque: Bottiglia e pesci (1910)
Ma forse il miglior esempio dell'arte formalistica sarebbe quello di Piet Mondrian come la sua composizione con Giallo, Blu e Rosso (1937-42) . Lavorando con semplici linee geometriche e colori primari, i suoi quadri sono la più pura manifestazione di quello che Clive Bell considerava forma significativa. Approccio formale alla musica, Che ha prodotto il concetto di arte assoluta , non legato a nulla al di fuori di se stessa, è stata una grande ispirazione per gli astratti artisti che hanno cercato di raggiungere questa mancanza di referentialità.
Piet Mondrian - Composizione con Giallo, Blu e Rosso (1937-42)
Anche se il formalismo guardava a tutte le arti, era la pittura che Bell e Greenberg avevano in mente formulando le loro teorie. Le grandi opere dell'arte formalistica furono prodotte dall'Espressionismo, dal Cubismo, dall'Arte Astratta Geometrica, dall'Astrazione Post-Pittorica e dall'Arte Informale di artisti quali Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Hans Hofmann, Robert Motherwell, Jean Dubuffet e molti altri .
Benvenuti nell'era del post-formalismo
José-Miguel Ullán, Alarma. Madrid, Trece de Nieve.
Come con tutte le buone teorie sociali, di solito generano anche molte critiche, che il contenuto effettivo che discute la teoria. Le opinioni di anticismismo apparvero quasi immediatamente dopo i primi tentativi di canonizzazione. Le accuse erano che il formalismo non forniva risposte esaurienti a domande che richiedono una descrizione più dettagliata della forma, le dispute sulla funzione storica dell'arte e ciò che costituisce il suo valore continuano a infiammare critici d'arte e storici.
Andy Warhol Flowers 1964
La sfida più grande al formalismo è venuta con il Postmodernismo e l'arte concettuale. Opere di artisti come Marcel Duchamp e Andy Warhol portarono la questione del concetto in primo piano, primissimo piano rispetto alla forma e questo approccio sarebbe divenuto dominante nell'arte contemporanea. Il postmodernismo, invece, ha introdotto questa riflessione critica nella elaborazione interna al mondo dell'arte, abbattendo tutte le grandi narrazioni per cercare la verità universale. Ma nel 2017 viviamo in un mondo davvero Post, dove anche il Postmodernismo è qualcosa che abbiamo dovuto superare, portandoci ad un nuovo apprezzamento della forma.
